蒋奇明&李雪琴跨界联手，《新片》惊艳四座！
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《飞行家》作为导演鹏飞与作家双雪涛的首次合作，自公布以来便备受关注。这部改编自双雪涛同名小说的作品，不仅入选2025年东京电影节主竞赛单元，更在10月30日完成全球首映，成为华语电影在国际舞台上的又一焦点。然而，当文学文本被搬上银幕，改编的尺度与方向成为讨论的核心。影片在保留原著人物骨架的同时，对故事内核进行了近乎颠覆性的重构，这种大胆尝试引发了关于文学改编边界与电影市场定位的深层思考。
从叙事基调来看，电影与小说呈现出截然不同的气质。双雪涛的原著以东北工业城市为背景，通过三代人的命运沉浮，勾勒出上世纪九十年代下岗潮带来的时代阵痛。文字间弥漫着冷峻的忧伤与历史的厚重感，那些在时代洪流中挣扎的小人物，他们的迷茫与坚守构成了作品的文学魅力。而电影则将镜头聚焦于主人公的个人奋斗史，将横跨数十年的家族史诗简化为一个关于梦想追求的励志故事。这种转变使得影片脱离了特定历史语境的束缚，却也抽离了原著中最动人的现实根基。当下岗潮等历史事件成为模糊的背景板，人物行为的动机便显得悬浮，他们的挣扎与抉择缺乏足够的情感支撑。

在视听语言的运用上，导演鹏飞展现出从文艺片导演向商业片导演的转型决心。与前作《又见奈良》中克制的镜头语言和留白式叙事不同，《飞行家》采用了更为直白的表达方式。密集的配乐贯穿全片，试图在每一个情感转折点推动观众情绪。这种处理方式在部分场景中确实营造出强烈的戏剧张力，但过度依赖外部手段来“硬拔”情绪，也导致观影体验的疲惫感。有评论指出，这种“假性激昂”的情感渲染，反而削弱了故事本身应有的感染力。
影片的美术设计同样引发讨论。为了营造特定的时代氛围，制作团队搭建了大量室内场景，从工人宿舍到老旧厂房，试图还原九十年代的东北城市风貌。然而，这种刻意营造的环境却未能完全摆脱“影棚感”，某些场景中道具的过度整洁、光线的过分讲究，都让观众难以完全沉浸其中。当空间失去应有的生活质感，故事便如同发生在一个架空的世界中，与原著扎根土地的文学特质相去甚远。

演员阵容方面，蒋奇明与李雪琴的搭档组合带来新鲜感，却也暴露出角色塑造的局限性。作为职业演员的蒋奇明，在诠释主人公的奋斗历程时，表演中偶尔可见模式化的痕迹，那些坚定眼神与握紧拳头的瞬间，虽然准确却缺乏惊喜。而非专业演员出身的李雪琴，则以其自然流露的反应为影片注入生活气息，但她所饰演的女性角色被限定在传统“贤内助”的框架内，成为主人公追梦路上的支持者而非独立个体。这种角色设定折射出叙事视角的单一，也让影片在性别表达上显得保守。
值得玩味的是客串演员带来的惊喜。雷佳音、王彦霖等东北籍演员的短暂出场，以其地道的方言与生活化的表演，为影片注入了难得的烟火气。这些片段仿佛突然打开了通向真实世界的窗口，让观众得以一窥那个时代东北人的生活状态。这种反差也恰恰凸显了影片整体风格的不协调——在刻意营造的戏剧性与自然流露的生活感之间，影片未能找到完美的平衡点。

在更大的文化语境中，《飞行家》的改编尝试被视为“东北文艺复兴”潮流中的一次重要实验。近年来，以双雪涛、班宇、郑执为代表的东北作家群，以其扎根于东北土地的创作，构建起独特的文学版图。当这些作品陆续被影视化，如何平衡文学性与商业性成为创作者必须面对的课题。《飞行家》显然选择了偏向市场的一端，它试图在深沉文艺片与纯商业类型片之间开辟一条中间道路。这种探索本身值得肯定，但其结果却引发了关于“东北叙事”未来走向的担忧。
更为微妙的是，影片中埋藏的“双雪涛宇宙”彩蛋。董子健从《平原上的摩西》中的庄树，转变为《飞行家》中的庄德增，这种角色联动暗示着作家有意构建跨作品的叙事宇宙。这种尝试在当代华语影视中尚属罕见，它既可能开创文学IP影视化的新模式，也可能陷入自我重复的窠臼。当文学作品的独特气质被整合进统一的商业框架，其原有的艺术个性能否得到保留，仍需时间检验。

从市场接受度来看，《飞行家》面临的双重挑战不容忽视。一方面，原著读者对影片的改编方向可能感到失望，那些在文字间流淌的时代感伤与历史反思，在银幕上被简化为个人奋斗的赞歌；另一方面，普通观众对同类题材可能已经出现审美疲劳，当“追梦故事”成为屡见不鲜的套路，影片需要提供足够新颖的视角才能打动人心。
这部电影的探索本身具有行业参考价值。它展示了文学改编过程中的各种可能性与陷阱，提醒创作者在追求商业成功的同时，不应忽视作品的精神内核。当电影产业与文学创作的关系日益紧密，如何在这两种艺术形式间找到最佳平衡点，将成为未来华语影视发展的重要课题。《飞行家》或许未能完美实现这一目标，但它的大胆尝试为后续创作者提供了宝贵的经验。在艺术与市场的永恒张力中，每一部敢于探索的作品都值得被认真对待，它们的成败得失共同构成了华语电影前进路上的重要坐标。